Alle guten Dinge kommen zu einem (durchwachsenen) Ende. So auch unsere Westerntrilogie um Terence Hill und Bud Spencer unter der Regie von Giuseppe Colizzi. Darin stellt sich Hügel der blutigen Stiefel a.k.a. Zwei hau'n auf den Putz (La collina degli stivali, 1969) zwar in keiner der fünf verfügbaren Schnitt- und Synchronfassungen als lupenreines Meisterwerk heraus, ist aber als filmarchäologisches Artefakt allemal beachtenswert. Deutliche weniger Euphorie unsererseits kassiert der exploitative Namensvetter Hügel der blutigen Augen (The Hills Have Eyes, 1977), der Wes Craven erstmals auf der Höhe seiner inszenatorischen Kunst zeigt, erzählerisch aber allzu kleine Brötchen backt.
Patricks neues Sachbuch Columbo, Columbo ist hier im Blog, beim Onlinehändler eurer Wahl und in allen Buchläden vor Ort bestellbar. Daniels Alina Fox Sammelband #1 und viele weitere Comics und Hörspiele sind in seinem Onlineshop unter www.alinafox.de erhältlich.
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Patrick schwitzte in dieser Woche eine ganze Karaffe sprichwörtliches Blut und Wasser, hatte er doch für den neuesten Filmschnack mit Daniel einen seiner absoluten Lieblingsfilme im Gepäck. Aber würde er am Ende der Nacht alleine dastehen mit seiner Meinung, dass es sich bei Rosso - Farbe des Todes (Profondo Rosso, 1975) um den mutmaßlichen Höhepunkt im Schaffen Dario Argentos handelt? Ob Herr Gramsch gnädig mit dem Giallo-Klassiker ins Gericht geht oder er der grimmig-pittoresken Mörderjagd so gar nichts abgewinnen kann, hört ihr in dieser Episode. Und da zwei Whodunnits besser sind als eines, geht die Suche nach dem Täter mit der Brettspiel-Verfilmung Alle Mörder sind schon da (Clue, 1985) gleich weiter. Und diese hat zwar wenig Spannung, dafür aber eine ganze Bande hervorragender Komödiant*innen zu bieten.
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Daniel und Patrick gönnen sich eine Woche Entspannung und gucken mal wieder Trailer. Diesmal aus dem Jahr 1974. Und mindestens drei mal so lang wie wie die folgende Liste war ihre Vorauswahl an Filmtiteln, über die sie nicht sprechen. So oder so: Was für ein großartiges Kinojahr! Auch, wenn man es anhand einiger Kandidaten, die es in diese Folge geschafft haben, nicht vermuten sollte.
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Können oder wollen wir Die Augen der Laura Mars (The Eyes of Laura Mars, 1978) empfehlen? Eigentlich spricht doch alles dafür, nicht zuletzt die Mitwirkung John Carpenters am Drehbuch und die gewohnt großartige Faye Dunaway vor der Kamera. Doch nutzt Irvin Kirshners Thriller nur ungefähr die Hälfte seines Potentials, fehlt es doch an ästhetischer Raffinesse und einer Schippe Sex und Gewalt. Zumindest in den Augen meines kundigen Gastes Udo Fischer und meiner Wenigkeit. Und dennoch geben wir alles, um euch im Kampf gegen unsere eigenen argumentativen Windmühlen davon zu überzeugen, diesem schmucken Brocken Spannungskino eine Chance zu geben.
***Achtung!*** Es wird von Beginn an recht viel verraten, nur nicht die Identität der Mörderin oder des Mörders. Dies erfolgt erst nach 54 Minuten.
Besucht Udos Fotografie-Webseite nunsichtbar und lauscht den sphärischen Synthie-Klängen seines Musikprojekts Into the Core beim Musikanbieter eures Vertrauens, beispielsweise bei Amazon Music oder Spotify.
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Kurz vor Halloween lassen wir die Geister heulen, die Zombies schlurfen und die Vampire saugen-- zumindest war das der Plan, bevor wir beschlossen, uns telekinetisch begabten Teenagern im Auftrag des Leibhaftigen zu widmen. Klingt doch gleich viel besser, oder? Im heutigen Doppel zur großen Vier-Null-Null hat Brian De Palmas Carrie - Des Satans jüngste Tochter (1976) die Bürde des filmhistorisch bedeutsameren Status zu schultern. Aber kann sie diesem Jahrzehnte und rund hundert Stephen-King-Adaptionen später gerecht werden? Aber sicher! Und nicht nur das, fegt die Bestsellerverfilmung auch einen Großteil der Vorbehalte Daniels gegenüber Maestro De Palma beiseite. Wir fühlen Carrie ausführlich auf den Zahn und widmen uns zudem der ersten großen erwachsenen Hauptrolle des einstigen Kinderstars Clint Howard, der uns in Evilspeak - Der Teufelsschrei (1981) das Gruseln lehrt. Zumindest dann, wenn sich uns nicht gerade die Nackenhaare ob der zweifelhaften Qualität des Gezeigten aufstellen.
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Als 'Bahnhofskino' im eigentlichen Sinne geht die Adaption des (post)modernen Literaturklassiker Schlachthof 5 (Slaughterhouse-Five, 1972) nicht wirklich durch, wohl aber als echte Neu- oder Wiederentdeckung. Dabei stinkt alles an Kurt Vonnegut Jrs. autobiographisch gefärbtem Science-Fiction-Roman nach Unverfilmbarkeit: Zeitsprünge, Kriegsgemetzel, Philosophie, schwarzer Humor... und mittendrin ein Protagonist, der nicht zum klassischen Helden taugt. Mit meinem Gast, Künstler Kolja Senteur, grabe ich mich durch die Komplexität und den Irrsinn der Literaturverfilmung von George Roy Hill, der nach seinen kommerziellen Megahits Zwei Banditen (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969) und Der Clou (The Sting, 1971) wohl bei einigen Hollywoodproduzenten einen dicken Stein im Brett hatte. Anders ist die Entstehung dieses ebenso skurrilen wie sperrigen Films kaum zu erklären. Kolja und ich sind jedenfalls enorm angetan.
Gemalte wie gezeichnete Kunst von Kolja findet ihr auf seiner Webseite und bei Instagram. Und wenn ihr Interesse am im Podcast erwähnten Artbook Girls and Monsters oder anderen Grafiken, Gemälden und Zeichnungen habt, freut sich der Meister über eure E-Mails. Bis zum 28. November könnt ihr Koljas Werke auch in der Galerie Diede im Weißen Turm in Ahrweiler bewundern. Macht euch auf den Weg! ❤️
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So nah und doch so fern sind sich unsere beiden höchst diskussionswürdigen Filme in dieser Woche, die sich zwar beide mit des Welt des Okkultischen und Übersinnlichen auseinandersetzen, dabei aber einmal mit Schmuddelfaktor 10 und ein andermal mit Starpower und Schauwerten punkten wollen. Sehenswert sind sowohl Roberta Findlays C-Horror Das Orakel (The Oracle, 1985) als auch Richard Donners dämonisches Spektakel Das Omen (The Omen, 1976). Bonuspunkte gehen in dieser Woche an Herrn Gramsch für den ehrenwerten Versuch, in einem Nichts an Story eine schlüssige Handlung zu entdecken. Ein Unterfangen, bei dem viel Schweiß und Blut vergossen wird.
Timecodes:
00:01:05 - 00:46:25 Filmgespräch Das Orakel (Roberta Findlay, 1985)
00:43:45 - 01:24:35 Filmgespräch Das Omen (Richard Donner, 1976)
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Sex! Sex! Sex! Und etwas Satire. Nun gut, wie viel echter Weit- oder Durchblick in Ernst Hofbauers verlogen betiteltem Schulmädchen-Report 7. Teil: Doch das Herz muss dabei sein (1974) steckt, muss noch ermittelt werden. Fraglos kunstvoll und subversiv hingegen ist der pneumatisch optimierte Supervixens - Eruption (1975) von Russ Meyer, dessen selbsternanntes Magnum Vollnuss Opus Daniel und Patrick auf hohem Niveau enttäuscht. CN: exzessiver Gebrauch der Wörter 'Dutterln' und 'Prengel'.
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00:01:00 - 00:46:35 Filmgespräch Schulmädchen-Report 7. Teil (Ernst Hofbauer, 1974)
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Sex, Gewalt und nur bedingt gute Laune - aber davon reichlich! - bieten wir heute in der Matinée unseres kleinen Bahnhofskinos. Und selten passte ein Film so gut zum Namen unseres Formats wie Der Tollwütige (La belva col mitra, 1977), schmeißt doch Regisseur Sergio Grieco seinen diffusen Plot rund um Raubmörder Helmut Berger ein ums andere Mal aus dem Fenster, um die treibende Story auf neue, blutbesudelte Wege zu führen. Da stört es kaum, wenn man zwischendurch mal Erleichterung auf den öffentlichen Toiletten sucht und zehn oder zwanzig Minuten verpasst. Sehr viel dichter an seinem Protagonisten ist da Umberto Lenzi, dessen Der Berserker (Milano odia: la polizia non può sparare, 1974) in der Gestalt von Tomás Milián kein Weggucken zulässt. Außer, man möchte eine Ladung bleihaltige Kugeln mitten ins Gesicht riskieren.
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00:01:00 - 00:35:30 Filmgespräch Der Berserker (Umberto Lenzi, 1974)
00:35:30 - 01:11:40 (Ende) Filmgespräch Der Tollwütige (Sergio Grieco, 1977)
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Die schönsten und überraschendsten Geschichten schreibt das Leben. Und diese altbackene Weisheit aus zahllosen Simmel-Romanen und ZDF-Schmonzetten gilt auch für unser Podcastformat. Selten hatten wir mit zwei sperrigen Martial-Arts-Kloppern, die nicht im klassischen Sinne gelungen sind und dementsprechend eher geringe Erwartungen an das Gespräch darüber, so viel Spaß. Dabei hat der mehrere Jahre nach Bruce Lees Tod veröffentlichte und eher geschmacklose Flickenteppich Mein letzter Kampf (Game of Death, 1978) zumindest noch haufenweise spannende Filmgeschichte im Gepäck. Die Mange-Adaption City Hunter(1993) mit Jackie Chan von Vielfilmer Wong Jing hingegen ist schlicht, nun, anders. Aber auch damit werden wir fertig.
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00:01:00 - 00:48:40 Filmgespräch Game of Death (Robert Clouse, 1978)
00:48:40 - 01:32:10 (Ende) Filmgespräch City Hunter (Wong Jing, 1993)
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Das Leitmotiv dieser Woche lautet "Vampirfilme, die keine echten Vampirfilme sind". Aber keine Sorge, genug Blut fließt dennoch. Vor allem gibt es aber erst einmal viel nackte Haut, wenn Altmeister Jean Rollin Die nackten Vampire (La Vampire Nue, 1970) auf Daniel und Patrick loslässt. Der kunstvolle Erotikhorror versetzt die beiden Herren zu gleichen Teilen in Entzückung wie Verwirrung. Gut also, dass der zum Meme gewordene Genreliebling Vampire's Kiss (1989), in dem Nicolas Cage eine seiner ersten Maximum Cage Force-Darbietungen gibt, sehr viel eindeutiger gestrickt ist. Nicht nur zum Vergnügen des nörgelnden Lohmis, dem die Küchenpsychologie des Streifens etwas sauer aufstößt. Viel Spaß!
Timecodes:
00:01:35 - 00:44:40 Filmgespräch Die nackten Vampire (Jean Rollin, 1970)
00:44:40 - 01:24:20 Filmgespräch Vampire's Kiss (Robert Bierman, 1989)
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Patrick droht gleich zu Beginn an, die Herzen von Otto-Fans zu brechen und dann wird die ganze Angelegenheit doch sanftmütiger als befürchtet. Phew! Zuerst blicken er und Daniel aber auf die wahnwitzige Rockoper Tommy (1975) zurück, der es nicht an Schauwerten und großartiger Musik von The Who mangelt, wohl aber an einem emotional bewegenden Schicksal des Protagonisten. Auf allerlei Uneinigkeit über die Talente mancher Beteiligter in Ken Russells Musikfilm folgt süße Harmonie hinsichtlich Otto - Der Film (1985), der sich der kritischen Frage der beiden Herren stellen muss, ob sein Humor in Laufe der Jahrzehnte an Wirkungskraft eingebüßt hat oder ob er schon immer etwas muffig um die Ottifantenohren war. Aber keine Sorge, es gibt trotz manchen Naserümpfens noch genug zu Kichern.
Timecodes:
00:01:00 - 00:52:05 Filmgespräch Tommy (Ken Russell, 1975)
00:52:05 - 01:44:00 Filmgespräch Otto - Der Film (Xaver Schwarzenberger & Otto Waalkes, 1985)
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Insgesamt neun Geschichten werden in unserer aktuellen Episode auf ihren Unterhaltungswert geprüft und dabei rund die Hälfte für gut befunden. Gelegentlich auch einmal aus Gründen, die nicht im Sinne des Erfinders waren. So im Falle von Ernst Hofbauers Episodenfilm Wenn die prallen Möpse hüpfen (1974), dessen spießige Frivolität einen ungeschönten Blick auf die moralinsauren Abgründe hinter dem Sexklamauk offenbart. Spaß hatten wir natürlich dennoch. Und auch der krude Charme von Jeff Burrs Debütspielfilm, die Horror-Anthologie Die Nacht der Schreie (From a Whisper to Scream, 1987), malte uns ein dickes Grinsen aufs Gesicht. Und sei es nur aufgrund des Wiedersehens mit Genre-Lichtgestalten und erklärten Bahnhofskino-Lieblingen wie Vincent Price, Susan Tyrrell und Cameron Mitchell.
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00:00:50 - 00:51:25 Filmgespräch Wenn die prallen Möpse hüpfen (Ernst Hofbauer, 1974)
00:51:25 - 01:33:55 Filmgespräch Die Nacht der Schreie (Jeff Burr, 1987)
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Mit einem Gast vom Fach stürzt sich Patrick in dieser Woche nicht nur auf zwei herausfordernde Filme, sondern auch auf in die Untiefen des deutschen Genrekinos und der Menschen dahinter. Filmemacher und Podcaster Yugen Yah bietet viele Einblicke in eine Branche, in der sich schroffe Kunst und glänzender Kommerz dicht an dicht bewegen und um jeden Kinosessel konkurrieren. Aber wo sind noch Orte jenseits kleiner Festivals und Streamingplattformen, an denen unabhängige Produktionen Sichtbarkeit und Wertschätzung erfahren? Nachdem sich Yugen und Patrick darüber und über vieles andere die Köpfe zerbrochen haben, widmen sie sich zwei ungewöhnlich großzügig budgetierten Filmen, die beweisen, dass ambitionierte Science-Fiction und Hollywood-inspiriertes Spannungskino auch im Land der Kartoffeln funktioniert. Aber tut es das? Zum Gelingen von Peter Fleischmanns Dystopie Die Hamburger Krankheit (1979) und Christian Alvarts Thriller Abgeschnitten (2018) nach Sebastian Fitzek gibt es hier und da durchaus abweichende Meinungen.
Yugen und seine Co-Moderatorin Susanne Braun servieren euch regelmäßig den höchst hörenswerten Indiefilmtalk Podcast, in dem es um alles geht, was deutschsprachige Filmschaffende und deren Publikum bewegt.
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00:01:00 - 00:47:05 Der deutsche Genrefilm, Kino vs. Fernsehen und Zukunftsvisionen
00:47:05 - 01:15:05 Filmgespräch Die Hamburger Krankheit (Peter Fleischmann, 1979)
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Gibt es an Keoma (1976) irgendetwas auszusetzen? Falls dies der Fall ist, so haben mein Gast André Wentzel und ich den möglichen Stein das Anstoßes noch nicht gefunden. Enzo G. Castellaris meisterhafter Spätwestern haut uns erneut aus den Socken und begeistert mit grandiosen Bildern, seinem einzigartigen Soundtrack und einer Dank Franco Nero, Woody Strode und William Berger unantastbar guten Besetzung. Der Mann aus Virginia (1977) kann da zwar nicht ganz mithalten, erweist sich aber als veritabler, blutgetränkter Geheimtipp mit Raimund Harmstorf im Berserker-Modus.
00:01:10 - 00:43:55 Filmgespräch Keoma (Enzo G. Castellari, 1976)
00:43:55 - 01:16:45 (Ende) Filmgespräch Der Mann aus Virginia (Michele Lupo, 1977)
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"She's a Maniac, Määä-niac on the floor!" Nein, im Ernst, angeblich ließ sich ja Komponist Michael Sembello von William Lustigs legendärem Maniac (1980) inspirieren als er seinen Flashdance-Hit schrieb. Mit unserem Filmgespräch über den einstig beschlagnahmten Schocker hat das natürlich nichts zu tun. Stattdessen schwärmen wir über das sleazige New York City und staunen ehrfürchtig angesichts Joe Spinells großartiger Leistung als wahnsinniger Serienmörder Frank Zito. Schauspielerisch hat Multiple Maniacs (1970) des ehemaligen Enfant Terrible John Waters sehr viel weniger zu bieten, macht dafür aber deutlich mehr Spaß. Und das ist angesichts eines Films, der unter anderem Drogensucht, Vergewaltigung und die Kreuzigung Christi porträtiert schon eine erstaunliche Leistung.
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Wir haben es gar nicht darauf angelegt, aber mein kundiger Gast Kai Wustlich ist bereits zum zweiten Mal in Folge zu einem Film zu Gast, in dem ein Touri-Pärchen die schönsten Ecken Europas besucht, nur um während der romantischen Urlaubsreise in tödliche Gefahr zu geraten. Nach dem sadistischen Spurlos (1988) reisen wir weiter zur nächsten cineastischen Sehenswürdigkeit namens Ein Kind zu töten... (1976), dem nicht nur hierzulande zum Zeitpunkt seines Kinostarts von Verleihern und Zensurbehörden übel mitgespielt wurde und somit erst seit einigen Jahren de-indiziert und in voller Länge genießbar ist. Extra-ausführlich ist auch unser Filmgespräch, während dessen wir aus dem Lobhudeln, Spekulieren und Schnappatmen kaum noch herausfinden. Nix für schwache Nerven!
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Es gibt kaum filmisches Terrain, das Patrick mit seinem Gast Alexander Sobolla noch nicht bereist hat. Am liebsten aber spricht er mit ihm über das italienische Spannungskino der 70er, den Giallo. Hierzu sei vor allem ihr gemeinsamen Gespräche über Der Tod trägt schwarzes Leder (1974) oder Tenebrae (1982) empfohlen oder eben ihr topaktueller Schnack zu Die rote Dame (La dama rossa uccide sette volte, 1972) von Emilio Miraglia, der zwar mit Dallamanos Meisterwerk nicht ganz mithalten kann, doch genügend wunderschöne Frauen, scharfe Messer und finstere Typen bietet, um das unterfränkische Würzburg in Angst und Schrecken und die beiden Herren in Verzückung zu versetzen.
Folgt Alexander und seinem Co-Host René Hoffmann bei Twitter und genießt ihre kundigen Film- und Seriengespräche im Abspanngucker Podcast, der Heimat des #SetteGialli.
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Patreon- und Steady-Unterstützer*innen kennen Patricks Gast Udo Fischer bereits aus der kürzlich veröffentlichten Bonus-Episode zu Das China-Syndrom (1979), alle anderen können sich in der heutigen Ausgabe des #beepodcast an seiner fachkundigen Leidenschaft für das Kino der 70er erfreuen. Dabei ist John Carpenters Frühwerk Das unsichtbare Auge (Someone's Watching Me!, 1978) streng genommen kein Kinofilm, wurde er doch fürs US-Fernsehen produziert und stellte den Meister vor die Herausforderung, leisen Grusel und lauten Terror in ein Format zu verpacken, dass TV-Medienwächtern nicht den Schlaf raubt. Mit Erfolg, wie die beiden Gesprächspartner feststellen, und dabei gleich noch versuchen, alle stilbildenden Zutaten in der Ursuppe des Carpenter'schen Schaffens herauszuschmecken. Viel Spaß!
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