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Freitag, 6. Mai 2016

Podcast #167: Es geschah am hellichten Tag (CH/BRD/ESP 1958) & Die Zärtlichkeit der Wölfe (BRD 1973)

Das Who is Who des deutschen Kinos vergangener Jahrzehnte hat sich versammelt, um in Form zweier Serienmörder-Klassiker zu zeigen, wie verrucht und verkommen unsere Elterngeneration wirklich war. Zumindest die hier eindrucksvoll präsentierten Exemplare dieser Gattung und Ära. Heinz Rühmann darf rauchen und fluchen, Gert Fröbe kasperln und morden, und Kurt Raab bereitet gemeinsam mit der Fassbinder-Clique verdammt gute Sülze zu. Tatort: Schweiz, Kanton Graubünden, in Es geschah am hellichten Tag (1958). Und Deutschland, irgendwo im Ruhrpott, in Die Zärtlichkeit der Wölfe (1973). Wir wünschen delikates Hörvergnügen.

Lob, Kritik und Filmwünsche bitte an patrick[at]bahnhofskino.com.

Timecodes:
  • 00:00:45 - 00:07:45 Intro und Filmtipp Remake, Remix, Ripoff - Über Kopierpraxis und das türkische Pop-Kino (Cem Kaya, 2014)
  • 00:07:45 - 00:48:10 Rezension Es geschah am hellichten Tag (Ladislao Vajda, 1958)
  • 00:48:10 - 01:24:20 (Ende) Rezension Die Zärtlichkeit der Wölfe (Ulli Lommel, 1973)

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_167.mp3 (ca. 80 MB)

Gert Fröbe als 'Schrott' in ES GESCHAH AM HELLICHTEN TAG (1958) / Quelle: CCC-Film

Freitag, 11. März 2016

Podcast #159: A Hard Day's Night (GB 1964) & Austin Powers (USA 1997)

Daniel muss seine Silberzunge bemühen, um Co-Host Patrick von den Qualitäten des filmischen Beatles-Erstlings A Hard Day's Night (DT: Yeah! Yeah! Yeah! 1964) zu überzeugen. Letztendlich zeigt sich aber auch der olle Lohmi einsichtig und gesteht den Fab Four und Regisseur Richard Lester so manche Großtat im Bereich des KonzertMusikfilms zu. Mike Myers' alter ego Austin Powers: International Man of Mystery (1997) genießt zwar kein ähnlich hohes Ansehen wie John, Paul, Ringo und George, hat aber auch so manch profane und sogar ein paar subtile Freuden zu bieten.

Lob, Kritik und Filmwünsche bitte an patrick[at]bahnhofskino.com.

Timecodes:
00:00:25 - 00:35:50 Rezension A Hard Day's Night (Richard Lester, 1964)
00:35:20 - 01:16:10 (Ende) Rezension Austin Powers (Jay Roach, 1997)

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_159.mp3 (ca. 71 MB)

George, John und Paul (v.l.) in A HARD DAY'S NIGHT (1964). Quelle: Verleih / Apple Corps

Freitag, 19. Februar 2016

Podcast #157: RoboCop 2 (USA 1990) & Sin City (USA 2005)

Wir haben uns zwei Machwerke aus der schmutzigen Feder von Frank Miller vorgenommen. Während RoboCop 2 von Das Imperium schlägt zurück-Regisseur Irvin Kershner den Anfang vom Ende der RoboCop-Reihe markierte, schlugen Comicfans aller Orten begeistert die Hände über dem Kopf zusammen ob der großartigen Qualität von Robert Rodriguez' Sin City-Adaption. Aber das war damals. Wie frisch hat sich der gute Ruf des Neo-Noirs mit Bruce Willis, Clive Owen, Mickey Rourke und circa 26 weiteren Hollywoodstars gehalten? Und haben sich unsere Herzen für Peter Weller in seinem zweiten Einsatz als metallischer Cop seit seinem Erscheinen 1990 erweicht? In jedem Fall glänzt Daniel wieder einmal mit seinem enzyklopädischem Wissen zur Comic-Historie.

Und natürlich der Hinweis auf einen Oldie-but-Goldie: unser Podcast zu RoboCop (1987) von Paul Verhoeven.

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Timecodes:
00:00:25 - 00:14:15 Kinotipp Hail, Caesar! und Danksagungen
00:14:15 - 00:59:30 Rezension RoboCop 2 (Irvin Kershner, 1990)
00:59:30 - 01:50:00 Rezension Sin City (Robert Rodriguez, 2005)

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_157.mp3 (ca. 103 MB)

RoboCop (Peter Weller) in Einzelteilen in RoboCop 2. Quelle: MGM

Sonntag, 29. November 2015

Podcast #148: Es ist schwer, ein Gott zu sein (RUS/CZE 2013) & 'Liebster Award 2015'

13 Jahre arbeitete Meisterregisseur Aleksei Yuryevich German bis zum Tod an seinem filmischen Vermächtnis Es ist schwer, ein Gott zu sein. Ein inszenatorischer Kraftakt, dem man dem Blut- und Rotz-getränkem Epos in jeder Minute ansieht. Aber inwieweit gehen die absolute Hingabe des Filmemachers und Wirkungskraft seines Werkes Hand in Hand? Ist Germans Film ein Meisterstück der politischen Science Fiction oder ein ruderloses Schiff in tosender, verdreckter See? Wir sind selbst diesbezüglich ein wenig ratlos - und dennoch voller Bewunderung.

Im zweiten Teil des Podcast beantworten wir elf Fragen von Nischenkino, die uns freundlicherweise für den 'Liebster Award 2015' nominiert haben. Vielen Dank!

Es ist schwer, ein Gott zu sein ist als vorbildlich ausgestattete DVD und Blu-ray [Amazon-Links] bei Bildstörung erschienen.

Timecodes:
00:00:25 - 00:48:45 Rezension Es ist schwer, ein Gott zu sein (Alexei German, 2013)
00:48:45 - Ende Patrick und Daniel beantworten Fragen aus Anlass der 'Liebster Award'-Nominierung

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_148.mp3 (ca. 94 MB)

Es ist schwer, ein Gott zu sein (2013) von Alexei German. Quelle: Bildstörung Blu-ray Screenshot (skaliert)

Freitag, 31. Juli 2015

Podcast #130: Die Handschrift von Saragossa (PL 1964) & Dom zły - Das böse Haus (PL 2009)

Wir blicken nach Polen, um über zwei Meisterstücke des osteuropäischen Kinos zu sprechen, deren (Wieder-)Entdeckung sich definitiv lohnt: Wojciech Has' Die Handschrift von Saragossa nach dem Roman von Jan Graf Potocki jagt uns kreuz und quer durch das Spanien des 18. Jahrhunderts, bis uns durch die unzähligen Zeitsprünge die Gehirnwindungen durchglühen. Dom zły von Wojciech Smarzowski ist hierzulande fast unbekannt, hat uns aber ebenfalls verzaubert - wenn man denn willens ist, sich von schmierigem Sex, Gewalt und Korruption verzaubern zu lassen.

Fanny & Alexander (1982), Marked for Death (1990), Der Todesjäger (1983) und X-Men: Zukunft ist Vergangenheit - Rogue Cut (2014/2015).

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Dom zły (2009) aka The Dark House von Wojciech Smarzowski

Freitag, 8. Mai 2015

Podcast #120: Die Mumie (1932) & Die Mumie (1999)

Nach einer längeren FriedeFreudeEierkuchen-Phase sind sich die Herren endlich einmal wieder uneinig. Herr Lohmi findet Boris Karloff als schwarzweißen Unhold ganz toll, Monsieur Gramsch bevorzugt die Eskapaden der farbenfrohen Neuauflage. Eines bleibt unbestritten: beide Filme heißen Die Mumie (OT: The Mummy, 1932 & 1999) und werden im heutigen Podcast noch einmal diskursiv auf- und abgewickelt. Viel Spaß!

Unser diesmal eher erfreuliches Intro bietet (mit Amazon-Links, soweit verfügbar): Avengers 2: Age of Ultron (2015), Hotte im Paradies (2002), Prom Night (1980) und Rick and Morty: Season 1 (2013-2014).

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Boris Karloff lernt seine spärlichen Dialogzeilen für DIE MUMIE (1932). Quelle: Universal

Freitag, 23. Januar 2015

Podcast #107: Der Frosch mit der Maske (1959) & James Bond 007 jagt Dr. No (1962)

Die Herren Albert R. Broccoli und Harry Saltzman bringen Superagent 007 in der Form von Sean Connery vs. Dr. No erstmals auf die Leinwand und wir sind nur mäßig euphorisch. Ist das nun unverschämt oder vielleicht durchaus berechtigt? Wir versuchen, darauf eine Antwort zu finden, freuen uns heimlich auf die kommenden Bond-Klassiker und statten ganz nebenbei noch einem Klassiker des deutschen Krimis einen Besuch ab: Der Frosch mit der Maske (1959), die erste Edgar Wallace-Adaption in der berühmten Rialto-Filmreihe. Mit den Herzbuben Blacky Fuchsberger und Siegfried Lowitz!

Im Intro vorgestellte Filme mit Amazon-Links (soweit verfügbar): Eurocrime! (2013), Tourist Trap (1979), Sorcerer (DT: Atemlos vor Angst, 1977), Ich, einfach unverbesserlich und dessen Sequel (2010/2013), Das letzte Einhorn (1982), The Rocky Horror Picture Show (1975) und Der WiXXer (2004).

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Freitag, 9. Januar 2015

Podcast #105: Strange Days (1995) & Climax! Casino Royale (1954)

In unserem ersten Podcast im Jahr 2015 werfen wir einen Blick zurück auf die fiktive Silvesternacht 1999-2000 im 1995er Blockbuster Strange Days von Kathryn Bigelow und James Cameron. Zu verwirrend? Zu viele Zahlen? Keine Sorge, unser zweiter Redebeitrag zum allerersten Erscheinen von 007 ist simpler gestrickt. Wir verraten euch, warum ein zynischer Kerl wie James 'Jimmy' Bond nicht auf den kleinen Bildschirm gehört. Die Episode Casino Royale aus der TV-Serie Climax! findet ihr hier.

Im Intro genannte Filme mit Amazon-Links (soweit verfügbar): Schwestern des Bösen (1973), Hexen bis aufs Blut gequält (1969), Die Tribute von Panem 3.1 (2014), Das finstere Tal (2014), A Liar's Autobiography (2012), Tatort: Der irre Iwan (2015) und Californication - Season 7 (2014).

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Angela Bassett in STRANGE DAYS (1995) Quelle: Lightstorm Entertainment

Freitag, 20. Juni 2014

Podcast #87: Tote schlafen fest (1946) meets Basic Instinct (1992)

Oldschool Film Noir und Neo Noir treffen aufeinander, wenn wir im heutigen Podcast über Tote schlafen fest (OT: The Big Sleep) und Basic Instinct sprechen. Bogie und Lauren Bacall mögen die bessere Chemie haben, doch Sleaze-Großmeister Paul Verhoeven kontert das mit gezieltem Tabubruch und technischem Hochglanz. In jedem Falle: zwei mal ganz großes Hollywoodkino - und das gibt in diesem für oftmals qualitativ eher bedürftige Filme bekannten Podcast ja auch nicht alle Tage.

Im Intro rezensierte Filme mit Amazon-Links: Machete Kills (2013), Orange Is the New Black (2013), Dust Devil (1992) und Fluch der Karibik - Fremde Gezeiten (2011).

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Dienstag, 10. Juni 2014

Podcast #86: Die Nacht der lebenden Toten (1968) meets Braindead (1992)

Im heutigen Podcast tragen Daniel und Patrick Eulen nach Athen. Oder zumindest fühlt es sich so an. Immerhin sprechen wir über zwei der meistdiskutiert-berühmt-berüchtigsten Exemplare des Zombie-Horrorkinos. Zuerst einmal mutmaßen wir darüber, ob sich George A. Romeros Night of the Living Dead (Die Nacht der lebenden Toten) knapp ein halbes Jahrhundert nach seiner Entstehung immer noch so frisch und shocking anfühlt wie einst. Und kann uns Peter Jacksons Guts 'n Gore-Spektakel Braindead so mitreißen wie anno 1992? Spitzt die Ohren und haltet eure Hirnmasse fest - wir haben einiges darüber zu sagen.

Im Intro rezensierte Filme mit Amazon-Links: X-Men: Zukunft ist Vergangenheit (2014), Die Brücke - Transit in den Tod (2012), Escape Plan (2013), Alles tanzt nach meiner Pfeife (1970) und Die Abenteuer des Dick Turpin (1979-1982)

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Freitag, 11. Oktober 2013

Podcast #60: Clerks: Die Ladenhüter (USA 1994) meets Abgedreht - Be Kind Rewind (USA 2008)

Wann habt ihr das letzte Mal über Kevin Smith nachgedacht? Genau, der dicke, bärtige Typ, der uns vor knapp zwei Jahrzehnten Clerks - Die Ladenhüter (1994) bescherte. Stinkt sein Erstlingswerk mittlerweile zum Himmel oder ist es anarchisch-frisch wie eh und je? Und wie steht es um das Talent von Michel Gondry als Spielfilmregsisseur? Genau, der freche Franzose, der uns die 90er Jahre auf MTV mit unzähligen Björk-Videos versüßt hat. Wir blicken auf Abgedreht (2008) und fragen uns nach Durchsicht beider Filme, ob man durch die berufliche Tätigkeit in einer Videothek zwangsläufig den Verstand verliert.

Ach ja, entschuldigt die mäßige Tonqualität - wieder mal. Mein Aufnahme-Equipment lässt mich seit einigen Wochen im Stich.

Unser Rückblick auf die Filme der Woche im Intro mit Amazon-Links: The World's End (2013), Der Baum (2010), Die Hüter des Lichts (2012), Street Trash (1987), Die Wand (2012), Dexter - Season 8 (2013), Ein toller Käfer kehrt zurück (1997), Die Sittenstrolche: Fra Diavolo (1933) und Monty Pythons Wunderbare Welt der Schwerkraft (1971).

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Ein Sack voll Jungs, die nicht erwachsen werden wollen: Kevin Smiths CLERKS (1994). Quelle: Miramax

Freitag, 4. Oktober 2013

Podcast #59: Plan 9 from Outer Space (USA 1959) meets The Room (USA 2003)

Es ist gar nicht so einfach, in der kurzen Zeitspanne eines Podcast für den mutmaßlich "schlechtesten Film aller Zeiten" (laut Harry Medved in The Golden Turkey Awards) eine Lanze zu brechen. Noch viel schwieriger ist, den kuriosen Charme von Regisseur-Autor-Produzent-Hauptdarsteller Tommy Wiseaus ersten und einzigem Film zu beschreiben. Wir versuchen es trotzdem - und scheitern beinahe. Ach, übrigens: es geht diesmal um Plan 9 from Outer Space (1959) und The Room (2003). Viel Spaß!

Unser Rückblick auf die Filme der Woche im Intro und passende Amazon-Links dazu: Insidious (2010), Breaking Bad (2008-2013), Die Unbestechlichen (1987) und Planet der Affen: Prevolution a.k.a. Planet der Affen: Selten dämlicher deutscher Zusatztitel (2011).

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_59.mp3 (ca. 21 MB)

"You're tearing me apart, Lisa!" THE ROOM von Tommy Wiseau. Quelle: Wiseau Films.

Freitag, 31. Mai 2013

Podcast #43: YETI, DER SCHNEEMENSCH (GB 1957) & THE RETURN OF CAPTAIN INVINCIBLE (AUS 1983)

Wir zollen den legendären britischen Horrorfilmikonen Peter Cushing und Christopher Lee unseren Respekt und sprechen über zwei weniger bekannte Werke aus deren Oeuvre: Yeti, der Schneemensch (OT: The Abominable Snowman) aus den Hammer Studios entführt uns in den Himalaya. Anschließend geht es wieder mal nach Oz, wo Alan Arkin als Captain Invincible (Alternativer deutscher Titel: The Return of Captain Invincible, oder: Wer fürchtet sich vor Amerika?) im gleichnamigen Superhelden-Musical Bösewichtern das Fürchten lehrt. Mehr oder weniger. Zumindest hat die Qualität des Films einem von uns beiden das Fürchten gelehrt. Wir lieben es, Filme hervor zu kramen, die ein Schattendasein im Genrefilm-Kanon führen und hoffen, euch geht es ähnlich.

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Im Intro sprechen wir über [Amazon.de-Links, sofern verfügbar] Die Vögel (1963), Eckis Welt (2007), Class of Nuke 'Em High (1986) und How I Met Your Mother - Season 8 (2012/2013).

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_43.mp3 (ca. 45 MB)


Peter Cushing noch ganz jung und frisch in YETI, DER SCHNEEMENSCH (1957)
Christopher Lee mal ganz musikalisch in THE RETURN OF CAPTAIN INVINCIBLE (1983)

Freitag, 10. Mai 2013

Podcast #40: MANN BEISST HUND (B 1992) & WHITE LIGHTNIN' (GB/USA 2009)

Herr Gramsch ist immer noch M.I.A. und daher kehrt Genrekino-Aficionado "Bartel" aus dem Kollektiv multipel Filmgestörter zurück in unser virtuelles Studio. Wir wagen uns an zwei sehr schmutzige und sehr schwarz-weiße Glanzlichter des Independentkinos heran - Mann beißt Hund (OT: C’est arrivé près de chez vous a.k.a. Man Bites Dog, 1992) und White Lightnin' (2009). Willkommen zu einer monochromen Spezialausgabe des Bahnhofskino Podcast!

Im Intro palavern wir über [Amazon-Links] Sinister (2012), Der Skorpion (1996), Unknown Identity (2011), Jack Reacher (2012), Fraktus (2012), Beasts of the Southern Wild (2012), Black Mirror - Season 1 (2011), Primer (2004) und Chained (2012).

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_40.mp3 (ca. 49 MB)

Quelle: Les Artistes Anonymes
Quelle: Momentum Pictures

Mittwoch, 13. März 2013

Podcast #32: Eraserhead (USA 1977) & Tetsuo: The Iron Man (J 1989)

Zwei heiße Eisen, die noch dazu Funken sprühen und auch gerne mal mutieren, packen wir diese Woche an. Betörende Verstörung Nummer Eins: David Lynchs Debütfilm Eraserhead. Zerstörende Empörung Nummer Zwei: Shin’ya Tsukamotos Cyberpunk-Trip Tetsuo: The Iron Man. Was ist von unseren Gehirnen noch übrig nach der Analyse (ist sie in diesem Falle überhaupt möglich?) dieser zwei surrealen Meisterstücke? Um dies herauszufinden, lauscht uns doch einfach ein wenig...

Im erschreckend kurzen Intro sprechen wir diesmal über [Amazon-Link] Fenster zum Sommer (D 2011). Das war's.

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_32.mp3 (ca. 33 MB)

Quelle: AFI
Quelle: unbekannt

Donnerstag, 7. März 2013

Wiegenlied für eine Leiche (USA 1964) - Bette Davis goes f***in' BONKERS!

Alle reden von Was geschah wirklich mit Baby Jane (1962), Thriller-Maestro Robert Aldrichs ersten Ausflug ins Genre des Glossy Gothic Horror. Und ja, das ist nachvollziehbar. Bette Davis und Joan Crawford sind das glanzvollere Doppel im Vergleich zu good ole' Bette und der welken Südstaatenblume Olivia de Havilland. Und noch einmal ja, streng genommen ist Wiegenlied für eine Leiche in vielerlei Hinsicht ein Neuaufguss allerlei makaberer Späße, die es bereits in Baby Jane zu bestaunen gab. Schmälert all dies das potentielle Vergnügen, das man mit Aldrichs Wiegenliedchen haben kann und lohnt es daher weniger einer kurzen kritischen Betrachtung an dieser Stelle? Nicht im Geringsten.

Quelle: 20th Century Fox

Aldrichs Quasi-Sequel zum meisterhaften Baby Jane ist wenig subtil geraten. Und gerade dies ist seine Stärke. Gewürzt mit plakativen Schockeffekten und kreischenden Hollywood-Altstars in wallenden Nachtgewändern repräsentiert es in Formvollendung ein Genre, dem nur eine kurze Lebenszeit in den 60er Jahren vergönnt war - das des Grand Guignol'schen Psychothrillers, in dem alternde Superstars noch einmal richtig die Sau raus lassen. Und keine Große Alte Dame des Hollywoodkinos - außer vielleicht die großartige Susan Tyrell knapp zwei Jahrzehnte später - beherrschte das Spiel mit ihrem eigenen angeknacksten Mythos und auf der Klaviatur des Wahnsinns besser als Bette Davis.

Freitag, 30. November 2012

Podcast #21: Freaks (USA 1931) & Mad Circus - Eine Ballade von Liebe und Tod (ESP 2010)

You dirty... slimy... FREAKS!

Nein, nicht ihr, sondern natürlich die Protagonisten unseres gleichnamigen Filmes Numero Uno im dieswöchigen Podcast sind gemeint. Wir sprechen über einen der großen Klassiker des Horrorfilms, Tod Brownings Freaks - Missgestaltete aus dem Jahr 1932. Anschließend widmen wir uns einem weiteren bedeutenden Auteur des fantastischen Films - Alex de la Iglesia. Mad Circus - Eine Ballade von Liebe und Tod (Balada Triste de Trompeta) erzählt die fast schon rührende Geschichte einer Dreiecksbeziehung im Gewand eines auf Hochglanz polierten Exploitation-Films. Klingt nach einer Menge Spaß? Wir verraten euch, ob dem so ist. Vorher 20 Minuten wirre Gedanken zu Wong Kar-Wai, Hugh Grant, denglischen Titeln für französische Filme, und einem John Lennon-BioPic. Enjoy!

Seid ihr mitteilungsfreudig? eMails bitte an patrick@bahnhofskino.com, postet Kommentare ins Blog oder auf unserer Facebookseite (siehe unten). Merci vielmals!

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Podcast Download: http://traffic.libsyn.com/bahnhofskino/Bahnhofscast_Episode_21.mp3 (ca. 47 MB)

Quelle: Warner/M-G-M

Quelle: Koch (Verleih)
 

Donnerstag, 9. August 2012

Podcast #10 - Kifferwahn! Reefer Madness (USA 1936) & Reefer Madness The Movie Muscial (USA 2005)

Egal ob ihr gerade zugedröhnt bis unter die Mütze oder stocknüchtern seid - unsere dieswöchige Episode is gonna blow your fuckin' minds! Nachdem wir euch aktuelle Kinoklopper wie Pixars Brave (Merida - Legende der Highlands) oder Ridley Scotts Prometheus angeteasert haben, widmen Daniel und ich unsere ganze Aufmerksamkeit einem, äh, Klassiker des Aufklärungsfilms - Reefer Madness aus dem Jahre 1936. Und ihr dachtet, ihr wusstet alle schrecklichen Details über das düsterste Jahr des vergangenen Jahrhunderts? Falsch gedacht! Und weil wir gerade dabei sind, werfen wir auch gleich noch einen ausführlichen Blick auf die 2005er Filmversion des Off-Broadway Musicals gleichen Namens. Alan Cumming, Neve Campbell, Kristen "Veronica Mars" Bell und der Cryptkeeper höchstpersönlich, John Kassir, sind nur einige der Stars in der aufwendigen Sing- und Tanzparodie. Wir haben durchaus unterschiedliche Meinungen zu diesem Film. Auf jeden Fall gilt: guten, politisch korrekten Spaß findet ihr so nur in unserem Podcast!

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"Ich kann nicht glauben, dass man aus diesem wichtigsten aller Exploitation-Aufklärungsfilme Reefer Madness ein Musical mit der Schnitte aus den Scream-Filmen gemacht hat. Skandal!"

Freitag, 28. Dezember 2007

Freaks - Missgestaltete (USA 1932) - Review [R2]

Mit Olga Baclanova, Wallace Ford, Leila Hyams u.a.
Kamera: Merritt B. Gerstad
Buch: Willis Goldbeck und Leon Gordon, nach Tod Robbins’ Kurzgeschichte Spurs
Regie und Produktion: Tod Browning




Freaks beunruhigt in seiner authentischen Darstellung des Alltags in einem fahrenden Kuriositätenkabinett bzw. Wanderzirkus noch heute. Kaum vorzustellen kann man sich, was für ein Aufschrei durch die Reihen der Zuschauer und Kritiker ging, als Tod Brownings Film 1932 erstmals veröffentlicht wurde. War es vor über 70 Jahren Ekel und Abscheu, die in weniger politisch korrekten und von größerem Unwissen über soziale Randgruppen geprägten Zeiten ein großes Kinopublikum fernhielten, so ist es heute die ungeschminkte Fremdartigkeit und Frivolität, die das Werk wohl für immer zu einem dunklen, staubigen Platz in der Videothek Ihres Vertrauens verdammt. Wie viel schockierender und vielschichtiger Freaks in seiner 90-minütigen Originalfassung war, darüber können wir heute nur noch spekulieren. Was uns bleibt ist der einstündige Blick in eine fremde und doch so nahe Welt durch die Augen eines der begnadetsten Regisseure der Stummfilmära.

Nur der außergewöhnliche Erfolg von Universals Dracula (1931) mit Bela Lugosi und sein damit kurzzeitiger Status als Golden Boy des Horrorfilms machte es Browning möglich, seine Freakshow so kompromisslos in Szene zu setzen, dass sie selbst nach rigorosen Kürzungen durch M-G-M und dem nachträglich hinzugefügten, bemüht versöhnlichen Happy End, immer noch so verstörend wirkt. Der Effekt beruht vor allem auf dem beinahe dokumentarischen Charakter der ersten Hälfte des Films, in der uns eine Unzahl an menschlichen Kuriositäten vorgestellt werden, teils sensibel porträtiert und zuweilen nur auf Running Gags auf zwei (oder gar keinen) Beinen reduziert. Da gibt es Stecknadelkopf Schlitzi, den lebenden Torso Prinz Randian, die Vogelfrau Koo Koo, das wandelnde Skelett, Kleinwüchsige, eine bärtige Dame, siamesische Zwillinge und diverse Protagonisten, die an akutem Gliedmaßenmangel leiden. Browning setzt sie alle ins Rampenlicht, manche in anrührenden Momenten – wie beispielsweise Schlitzis Zusammentreffen mit Zirkusclown Phroso (Wallace Ford), der sie (bzw. ihn, denn Schlitzi ist im wahren Leben ein Mann) mit Komplimenten über ihr neues Kleid überhäuft – oder auch nur als pointierter Scherz am Rande, wie z.B. eine kurze Szene, in welcher der bärtigen Dame kurz nach der Geburt ihrer Tochter zu deren ausgeprägter Gesichtsbehaarung gratuliert wird. D’oh!


Der für einen Großteil der Laufzeit des Films in den Hintergrund gerückte Plot des Films dreht sich um den kleinwüchsigen Hans (Harry Earles) und dessen Liebe für die hochgewachsene Schönheit Cleopatra (Olga Baclanova), die sich zunächst nur über die Avancen ihres Verehrers lustig macht und ihn nach Erkenntnis seines einer Erbschaft entstammenden Reichtums um selbigen bringen will. Dazu schmiedet sie gemeinsam mit ihrem Liebhaber Roscoe (Roscoe Ates) den Plan, den kleinen Mann zu ehelichen und ihn kurz darauf mittels Gift zu ermorden, sein Vermögen abzusahnen und dem Zirkusleben damit endgültig Lebewohl zu sagen. Wie für einen Horrorfilm angemessen zieht sie diesen Plan natürlich nicht kühl-kalkuliert durch sondern legt sich immer wieder mit ihren missgestalteten Kollegen („Dirty, slimy… Freaks!“) an und trägt ihre maliziösen Motive wenig verborgen zur Schau. Als auch der Letzte aus der Gruppe der "Freaks" ihre wahren Absichten durchschaut hat, nehmen die Deformierten grausame Rache.

Weniger als der für das Horrorgenre eher typische Plot ist die Machart des Films. Der Verzicht auf gruselig-monströses Makeup und Hollywoodstars zugunsten eines pseudo-realistischen Dokumentationsstils bietet einen ungeschönten Einblick in den realen Alltag von Randexistenzen unserer Gesellschaft, die sich trotz oder gerade aufgrund körperlicher Behinderungen in ihrem Alltag behaupten können und in ihrer eigenen kleinen Welt des Browning’schen Zirkus menschlicher handeln als ihre makellosen Zeitgenossen. Egal ob im Alltagsleben oder während des expressionistisch inszenierten Heiratsbanketts, es sind immer die augenscheinlich normalen Menschen, die sich als die wahren Monster in Brownings düsterer Fabel entpuppen. Cleo und Roscoe flüchten sich in überbordende Gehässigkeit und theatralische Gesten während ihre missgestalteten Mitmenschen in ihrem Handeln ungekünstelt und damit verletzlich erscheinen. Verstärkt wird dieser Eindruck durch das authentische Spiel der „Freaks“, die überwiegend Amateure sind und weniger eine Rolle spielen als vielmehr sich selbst. Schauspielprofis wie das reizende Zwillingspaar Daisy und Violet und der beinlose Johnny Eck sind die Ausnahme in einem Ensemble, in dem viele Darbietungen erstaunlich authentisch wirken. Insbesondere die Gruppe der an Mikrocephalie leidenden Pinheads um Schlitzi ist immer wieder erstaunlich in ihrer Zurschaustellung von offensichtlich realer Angst, Freude und Wut.


Dass Browning das Zirkusleben teils schamlos exhibitionistisch porträtiert und sich einer trügerisch dokumentarischen Erzählweise bedient ist moralisch sicherlich fragwürdig, damals wie heute. Ähnlich fragwürdig ist auch der Entschluss der M-G-M-Studiobosse, dem bitterbösen Ende des Films einen Epilog zu verpassen, der die Rachehandlungen der Missgestalteten indirekt verurteilt. Puristen dürfen ohne Gewissensbisse die letzten zwei Minuten des Films übersehen, da sie lediglich den verzweifelten Versuch damaliger Sittenwächter und um Einspielergebnisse besorgter Produzenten widerspiegeln, aus einem erschreckend perfiden, nihilistischen Genrefilm ein glatt gebügeltes Stück Kommerzkino zu kreieren. Der Versuch misslang, das finanziell desaströse Abschneiden an den Kinokassen bereitete Brownings Karrierehoch ein abruptes Ende, und Freaks genießt auch heute noch in vielen Kreisen den Ruf eines verruchten, ethisch fragwürdigen Films. Nicht immer ein Sehgenuss, aber ein wichtiges Stück Hollywoodgeschichte, das in keiner gut sortierten Filmbibliothek fehlen sollte.

P.S.: Anscheinend bestehen bis zum heutigen Tag Bedenken über die filmhistorische Relevanz dieses Werks. Anders lässt sich die Umtaufe von Freaks in das politisch korrekte Missgestaltete im Rahmen der deutschen Veröffentlichung kaum erklären.


Bild:
Warner präsentiert Freaks in bestmöglicher Bildqualität. Abgesehen von kleinen Verunreinigungen und einigen Bildsprüngen ist der Transfer hervorragend. Der unnötige Epilog mit Hans und Frieda leidet unter zu hohem Kontrast und Unschärfe, ist aber die einzige Schwachstelle eines ansonsten visuell vorbildlich präsentierten Films.

Ton:Die einzige Tonspur ist der englischsprachige Originalsoundtrack in mono. Die Tonqualität ist überwiegend in Ordnung, klingt aber altersgemäß recht blechern und damit gelegentlich unverständlich. Der Griff zur Fernbedienung zwecks Aktivierung der Untertitel wird wohl kaum jemandem erspart bleiben.

Untertitel:
Untertitel stehen zur Verfügung in Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch, Italienisch, Schwedisch, Türkisch, Griechisch, Portugiesisch, Tschechisch, Ungarisch, Holländisch, Arabisch und Bulgarisch. Alle Extras (mit Ausnahme des Audiokommentars) sind ebenfalls untertitelt.

Extras:Der nach Einführung des Production Codes im Jahre 1934 kreierte, moralinsaure Prolog des Films, der uns vor den Abnormitäten des Films warnen soll, ist ein interessantes Stück Zeitgeschichte. Gleiches gilt für die drei alternativen Schlusssequenzen, die von David Skal kommentiert werden. Der Filmhistoriker, dessen Tod Browning-Biographie Pflichtlektüre für alle Fans des klassischen Horrorfilms sein sollte, dominiert auch die knapp 70-minütige Doku The Sideshow Cinema, die außer der Produktionsgeschichte des Films kurze Biographien aller Hauptdarsteller und "Freaks" bietet. Sehr interessant, aber leider etwas langatmig und mit grauenhafter Zirkusmusik unterlegt. Der Audiokommentar Skals vermittelt beinahe identische Informationen zu Dreh und Darstellern ohne nervtötendes Endlosgedudel und ist daher eine gute Alternative zur Dokumentation.

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Auf einer Skala von Hervorragend – Sehr gut – Gut – Okay – Mäßig – Schlecht
Film: Hervorragend
Bild: Hervorragend (1.37:1 Full Screen)
Ton: gut (mono 1.0)
Extras: gut (Audiokommentar von David Skal, Dokumentation, Prolog, Epilog [mit Kommentar])

Mittwoch, 29. November 2006

King Kong - Special Edition (USA 1933) - Review [R1]

Mit Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot u.a.
Musik: Max Steiner
Effekte und Miniaturen: Willis O’Brien
Buch: Merian C. Cooper, Edgar Wallace
Produktion: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack, David O. Selznick
Regie: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack




Did you ever hear of… Kong?
Gut 70 Jahre nach der Erstaufführung von King Kong (1933) kennt wohl jeder zwischen 8 und 88 (oder gar 118) Jahren Ernest B. Schoedsacks und Merian C. Coopers legendären Gassenfeger um das neben Godzilla wohl berühmteste Filmmonster aller Zeiten. Wie auch Vom Winde verweht (1939), Casablanca (1943), Ist das Leben nicht schön? (1946) und Der Zauberer von Oz (1939) gehört der Abenteuerklassiker zur kleinen Gruppe legendärer Hollywoodstreifen, der sich selbst Kinomuffel kaum entziehen können. Im Gegensatz zu oben genannten Werken will Kong jedoch in erster Linie ein lautes Spektakel erster Güte sein, ein Actionfilm für eine damals junge Generation von Kinogängern, deren Lust auf oberflächliche Thrills größer ist als das Verlangen nach Drama, Intrigen, Romantik und sensibler Charakterzeichnung. Tue ich dem Film unrecht, wenn ich ihn als Großvater des heutigen Hollywood-Blockbusters bezeichne? Wohl kaum, denn King Kong schuf die dramaturgischen und technischen Grundlagen, auf die sich noch bis heute fast ein jedes Actionspektakel beruft. Und träumen nicht etwa auch Regisseure wie Steven Spielberg, James Cameron und Peter Jackson von Kong-gleichen Einspielergebnissen und Massenaufläufen hysterisch begeisterter und vom Leinwandgeschehen verblüffter Kinogänger? In unserer weitgehend von Digitaleffekten entzauberten Kinolandschaft wirkt King Kong wie Balsam auf die Wunden der Filmfans, die sich nach einem Stück verlorener Authentizität im Kino zurücksehnen. Cooper, Schoedsack und Effektzauberer Willis O’Brien beweisen mit ihrem Werk, dass Pioniergeist, Geduld und Spucke manchmal alles ist was es braucht, um Filmgeschichte zu schreiben.

Zum Plot: Filmemacher Carl Denham (Robert Armstrong) beschließt, seinen neuesten Film auf einer in unbekannten Gewässern gelegenen Insel zu drehen und durch das Engagement der schönen Ann (Fay Wray) auch sein Studio zufrieden zu stellen, das nach einer romantischen Note verlangt. Captain Jack Driscoll (Bruce Cabot) ist der Mann fürs Grobe, der die Filmcrew sicher zum mysteriösen Eiland schippern soll und nach einigem Macho-Getue („Harrrr, Frauen haben auf einem Schiff nichts zu such…. Arrrgh!“) natürlich sogleich der blonden Hauptdarstellerin verfällt. Nachdem die weißen Eindringlinge die Insel erkundet haben und dabei gleich auch eine Opferzeremonie für den König der dunkelhäutigen Eingeborenen unterbrechen, entführen diese in der folgenden Nacht Ann aus ihrem Schiffsquartier. Zu spät bemerken Denham und Driscoll, dass die holde Dame verlustig gegangen ist und mittlerweile an einen Opferbaum gefesselt darauf warten muss, dem haushohen Menschenaffen Kong als Mitternachtssnack zu dienen.



Warum verfällt die bezaubernde Ann dem misogynen Captain, der sich herzlich für Frauen an Bord eines Expeditionsschiffes begeistern kann, so unvermittelt? Wie haben es die Eingeborenen geschafft, den übermächtigen Kong über Jahrzehnte (Jahrhunderte?) erfolgreich in seinem Gehege gefangen zu halten? Wie gelangt ein tonnenschwerer Riesenaffe auf einem kleinen Kahn ins tausende Meilen entfernte New York? Nun ja, wer Wert auf Logik legt, sieht sich wahrscheinlich ohnehin selten Filme über Riesenaffen und Saurier an. Zugute halten muss man den Regisseuren und Autoren (darunter Edgar Der Mönch mit der Peitsche Wallace), dass sich diese narrativen Schwächen erst lange Zeit nach Betrachten des Streifens offenbaren. King Kongs gut 100-minütige Laufzeit lässt nämlich kaum Zeit zum Nachdenken, vor allem nicht nach der Entführung Anns durch Kong. Die folgende Nonstop-Serie von überragenden Spezialeffekten, gepaart mit innovativen Soundeffekten und der pompös-dramatischen Musikbegleitung Max Steiners, lässt moderne Filmemacher blass aussehen, die sich in vergangenen Jahren (vor allem zu Beginn der digitalen Revolution in Hollywood) mit der Anzahl oder Dauer ihrer vergleichsweise kurzen Effekteinstellungen brüsteten. Die Leistung Schoedsacks, Coopers und „Obie“ O’Briens, der sich für die revolutionäre Kombination von Stop-Motion-Animation mit Rückprojektionen und Matte Paintings verantwortlich zeigte, lassen tricktechnische Wunderwerke der 90er wie z.B. Jurassic Park (1993) mit seinen drei oder vier Minuten digitaler Echsen meilenweit hinter sich. Es ist faszinierend, sich auszumalen, welche emotionale Achterbahnfahrt das Effektgewitter Kongs im Jahre 1933 in den Zuschauerrängen der Lichtspielhäuser ausgelöst haben mag.

Neben O’Brien ist Steiners musikalische Untermalung insbesondere bemerkenswert. Nie zuvor wurde in Hollywood ein Score komponiert, der sich am unmittelbaren Leinwandgeschehen orientiert und nicht etwa allein aus dem Fundus an Archivmusik (in dem Steiners Kompositionen ebenfalls gut vertreten waren) speist. King Kongs Musik war schon immer mein Lieblingsaspekt in diesem Film, der vor liebenswürdigen Details nur so überläuft. Man beachte die subtilen Gesten Kongs, etwa seine kindlich-naive Verwunderung über die eigene Kraft nach der Zertrümmerung des T-Rex-Schädels oder das Pflücken einiger Blumen für die verstörte Ann, die zur selben Zeit wieder mal von urzeitlichem Viechzeugs attackiert wird. Klingt nicht auch der Sound des peitschenden Saurierschwanzes einfach nur verdammt cool? Und sind das nicht etwa Cooper und Schoedsack, die am Ende des Films in einer kurzen Einstellung vom Flugzeug auf das von ihnen kreierte Monster Maschinengewehrsalven abfeuern? King Kong belohnt wiederholtes Ansehen mit solchen Entdeckungen und ist ein filmisches Pionierstück, an dem die Jahre mit Sicherheit nicht spurlos vorbeigezogen sind, das aber auch heute noch bezaubern kann. Wie ein guter magischer Trick eben: zeitlos.


Bild:
Das Originalnegativ des Films ist seit Jahrzehnten verschollen und was den Restauratoren hier vorlag, ist eine gute Kopie der originalen 1933er Schnittfassung, bevor sie im Zuge der Einführung des Production Codes um einige Minuten zensiert wurde. Der Transfer ist makellos, das Bild besitzt eine altersgemäß starke Körnung und nur einige komplizierte Effektaufnahmen weisen leichte Verschmutzungen auf. Insgesamt eine superbe Restauration, die wohl aufgrund des fehlenden Originalnegativs nicht verbesserungsfähig ist und qualitativ alle weltweit auf DVD erhältlichen Fassungen Kongs hinter sich lässt.

Ton:Unspektakulär und glasklar, das sind wohl die zwei Adjektive, die den Sound am besten umschreiben. Wie rausch- und verzerrungsfrei der hier vorliegende 1.0-Ton unseren Ohren pläsiert, weiß man wohl erst dann richtig zu schätzen, wenn man sich zum Vergleich die bisher erhältlichen, krummeligen Knistersoundtracks anhört (das klingt jetzt technisch sehr versiert, oder?). Die innovativen Soundeffekte und der pulsierende Score Max Steiners (inklusive 4-minütiger Ouvertüre!) kommen voll zur Geltung und bis auf ein paar dumpfe Stellen in den Dialogen kann man dieser Veröffentlichung ohne Zweifel Referenzqualität bescheinigen.

Untertitel:Untertitel stehen zur Verfügung in Englisch, Französisch und Spanisch.

Extras:Okay, bringen wir die große Enttäuschung inmitten dieses hervorragenden Sets an Bonusmaterial erst einmal hinter uns: Der Audiokommentar von Ray Sindbads siebente Reise Harryhausen und Ken Star Wars Ralston ist zwar angenehm geschwätzig doch von geringem Informationswert. Wer nach mehr als einer zweistündigen Huldigung der Talente Willis O’Briens verlangt, dem sei Harryhausens Kommentar zur ebenfalls bei Warner erschienenen Mighty Joe Young (1949)-DVD ans Herz gelegt.

Auf eine Trailergallerie folgt dann die 90-minütige Doku I’m Kong: The Exploits of Merian C. Cooper, die sich mit der Autobiographie des abenteuerlustigen Regisseurs beschäftigt. Neulinge im Kong-Universum werden erstaunt sein ob der zahlreichen Ausschnitte aus Coopers Expeditionsfilmen und der Erkenntnis, wie sehr im die Figur des Carl Denham gleicht.

Das Highlight dieser Veröffentlichung ist sicherlich die von Peter Jacksons Wingnut Films produzierte Dokumentation RKO Production 601: The Making of Kong, Eight Wonder of the World. In sieben Kapiteln beleuchtet das mehr als zweieinhalbstündige Werk mit Unterstützung von Filmwissenschaftlern, Fans und Filmprominenz jedes triviale und weniger triviale Detail zur Entstehung und Rezeption des Films. Hauptattraktion des Spektakels ist die Wiederbelebung der 1933 nach Testvorführungen aus dem Film entfernten Spider Pit Sequence, die Jacksons Weta-Team um Richard Taylor mit Hilfe klassischer Animationstechniken rekonstruiert. Eine detaillierte Beschreibung der Effektsequenz würde nur den Überraschungseffekt mindern, daher sei nur so viel gesagt: Die liebevolle Arbeit der Neuseeländer in diesem Segment hebt eine sowieso schon extrem detaillierte und unterhaltsame Dokumentation in den Olymp ihrer Gattung und darf sich mit The Cuttig Edge: The Magic of Movie Editing auf der im August letzten Jahres erschienenen Special Edition von Bullitt (1968) den Preis als bestes DVD-Feature des Jahres 2005 teilen.

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Auf einer Skala von Hervorragend - Sehr gut - Gut - Okay - Mäßig - Schlecht
Film: Hervorragend
Bild: Hervorragend (1.33:1 Fullscreen)
Ton: Sehr gut (Englisch mono 1.0)
Extras: Hervorragend (AK von Ray Harryhausen und Ken Ralston, 2 Dokumentationen: RKO Production 601: The Making of Kong, Eight Wonder of the World, und I’m Kong: The Exploits of Merian C. Cooper, Trailergallerie)


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